I vantaggi di Outreach Musica programmi comunitari (comps) sulla didattica degli strumenti musicali

© Peter Muir 2005
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In questo lavoro esploro che la nozione, in base alla mia pratica di insegnamento, che la presenza sul Community Outreach Musica Programmi (comps) per gli studenti di musica possono essere di grande beneficio per l'apprendimento dei loro strumenti musicali. Inizierò con una descrizione generale di un tipico COMP.

Il Outreach programma musicale presso il Green Briar Retirement Community

L'Istituto per la Musica e la salute è in corso una COMP dal gennaio 2000 al Green Briar Retirement Community a Millbrook, NY. I residenti sono anziani per lo più abbastanza alto funzionamento, anche se la maggior parte hanno problemi di salute, molti espongono i primi sintomi del morbo di Alzheimer &'; s o demenza senile. Una tipica sessione outreach dura circa 70 minuti. Il IMH generalmente porta a cinque volontari ad una sensibilizzazione, e spesso più di dieci. Il numero di residenti che frequentano la sensibilizzazione di solito in media una ventina.

L'approccio di base è il seguente. Abbiamo ampiamente cantare vecchio stile Tin Pan Canzoni che sono familiari residenti. Helpers incoraggiare i residenti a partecipare con il canto e la danza /movimento con loro, ove opportuno. Questa non è una rappresentazione convenzionale in senso usuale. Al contrario, l'atmosfera più informale e rilassata, i residenti più attivi tendono a diventare; e il più attivo dei residenti, la più duratura i benefici della musica. L'effetto del fare musica è esaltata dai volontari impegnati direttamente e come interattivo con i residenti più possibile, tenendosi per mano, rendendo il contatto visivo, ecc sbracci sono in gran parte non accompagnati musicalmente, anche se gli strumenti sono utilizzati in determinate situazioni discussi qui di seguito.

Non è lo scopo di questo articolo per discutere i benefici di tali sessioni di residenti, che, se fatto correttamente, e con la giusta intenzione, sono profonde. Sono invece interessato all'effetto sui volontari, in particolare su come tali sbracci possono beneficiare la riproduzione di tali strumenti di apprendimento (anche se il canto rotondo centrale di sensibilizzazione, non giocare).

Al momento della scrittura, ci hanno solo preso i nostri studenti su una base limitata a Green Briar, e anche se i primi risultati sono molto incoraggianti e abbiamo intenzione di estendere il programma, la presente discussione è fondamentalmente un documento di posizione più teorico /filosofico approccio di base di risultati sperimentali. Inizierò da discutere, e mettendo nel suo contesto storico, lo stato attuale della corrente principale pedagogia strumentale come esiste in America, e, per quanto ne so, la maggior parte del mondo occidentale, prima di andare ad esplorare sbracci come musicale può aiutare a contrastare un certo squilibrio inerente alla pedagogia musicale tradizionale.

Tradizionale strumento di musica Pedagogia

Anche se ha radici che sono molto più antiche, l'insegnamento della musica strumentale come la conosciamo oggi è davvero un prodotto di Ottocento. L'estetica rivoluzionaria del Romanticismo ha portato con sé grandi cambiamenti nella diffusione della musica d'arte in Europa e Nord America. Il nuovo approccio è stato più tipicamente riflette nella crescita del concerto pubblico che è entrato in proprio in epoca romantica. Il simbolo di questo è stato il virtuoso strumentale tour, come Paganini sul violino e Liszt al pianoforte, che erano, insieme con gli artisti lirici di successo, la superstar musicali del giorno. Romanticismo glorificato questi esecutori strumentali in modo che essi non erano stati prima. In tal modo, gli artisti sono diventati ricchi e famosi, raggiungendo attraverso il loro tour incessanti, la promozione bene, e pirotecnici orecchiabile, un pubblico molto più vasto di quanto non fosse mai stato a disposizione di un pubblico di altri tempi.

Come virtuosismo strumentale acquisito una nuova importanza, la pedagogia è salito alla ribalta. Alimentato da una nuova tecnologia che ha abbassato drasticamente i costi, e quindi l'accessibilità, di spartiti, e un crescente, musicalmente letterato borghese assetato di miglioramento culturale, pedagogia divenne per la prima volta un grande business nel XIX secolo. Centinaia di compositori creato materiale pedagogico per quasi ogni tipo di strumento che spaziava dalla meccanica di Czerny &'; s esercizi, alla padronanza di Chopin &'; s etudes. L'accento è stato posto sulla tecnica: le qualità superiori di prestazioni — espressione, interpretazione e così via — potrebbe davvero essere aggiunto solo efficacemente dopo il lavoro era stato masterizzato meccanicamente. Ciò che è noto come il “ Una volta di più con sensibilità &"; scuola.

Una volta sul posto, questa filosofia ha dominato il panorama pedagogico. E 'straordinariamente rappresentato nella figura 1, un esempio da un articolo di Aubertine Woodward Moore dal titolo, in modo abbastanza appropriato, “ Dalla Fondazione meccanico a Triumph artistico, &"; che è apparso in American educazione musicale tradizionale rivista The Etude nel 1918. La “ Fondazione Meccanica &"; del titolo è rappresentato da macchinari industriali pesanti in fondo alla collina, mentre “ Artistico Triumph &"; è raffigurato nella parte superiore da un castello. Si noti che superiori qualità che giocano (“ fraseggio, &"; “ espressione, &"; “ interpretazione &";) si verificano vicino alla cima della collina, mentre gli aspetti Drudge della pratica (e" industria, &"; “ esercizi quotidiani, &" ; “ bilancia &";) sono posti in prossimità del fondo. Un altro punto. Come si segue il percorso a zig-zag su per la collina, vedrete diventa sempre meno popolata. Si tratta di un sorprendentemente onesto, anche se forse inconsapevole, la dichiarazione di un difetto di progettazione in tutto il sistema: la maggior parte degli studenti danno i loro strumenti. In una filosofia che vede l'apprendimento di uno strumento come — qui, letteralmente — una lotta in salita, solo pochi arrivare alla vetta. E quando ottiene al vertice è visto come l'unico obiettivo utile della joint — il termine" Artistico Triumph &"; vende chiaramente come un vincitore-take-all affare — non arrivare in vetta è visto (sia da studenti e insegnanti) come un fallimento. In questa visione darwiniana curiosamente dell'educazione solo sopravvivono più forte. La caduta resto per strada

Sarebbe na Ï. Ve suggerire che nulla è cambiato nella musica pedagogia dal momento che questo articolo è apparso. Metodi pedagogici Mainstream sono ora un po 'meno tecnicamente orientati e spaventosamente egemonico che era una volta il caso. Quello che ha, credo, stimolato questo è cambiato più di ogni altra cosa è la presa indebolimento della musica classica nelle società occidentali e il corrispondente aumento della musica americana volgare (jazz, blues, rock, ecc), nel XX secolo, la cui popolarità spettacolare attraverso la sua diffusione in cultura di massa ha spostato la musica classica come il principio musicale lingua franca di occidentali, e, più recentemente, della società globale. Di conseguenza, quando il bambino medio all'inizio del XXI secolo, decide di prendere in mano uno strumento che è più probabile che vogliono imparare Beatles di Beethoven.

Mentre la professione musicale ha ospitato, lo ha fatto solo in modo che solo a malincuore. Leggi attraverso vecchie edizioni di qualsiasi rivista pedagogica tradizionale come The Etude, vedrete quanto conservatore è, come protettivo di “ buono &"; musica (cioè classica) contro la minaccia di stili popolari. L'impressione generale è che la democratizzazione del repertorio e l'ampliamento di esecuzione degli stili in didattica della musica è un bene “ bottom-up &"; rivoluzione, solo a malincuore accettato dalla vecchia guardia. Questo ha varie implicazioni di classe che non voglio proseguire qui, se non per dire che questo il conservatorismo in didattica della musica è un riflesso della società nel suo insieme: tutti gli stili vernacolari hanno, quasi per definizione, nasce come lavoro di musica di classe, e hanno di solito guadagnato l'accettazione generale solo dopo un'enorme resistenza dall'alto.

La riluttanza della musica pedagogia di accettare nuovi stili è sintomatico di un problema più profondo. Infatti, mentre il centro di didattica della musica si è spostata in modo sano e lontano da" i pochi che possono diventare i musicisti professionisti di domani &"; a “ i tanti che vogliono partecipare a musica, &"; la filosofia di insegnamento della musica non è sostanzialmente cambiato: ha semplicemente ammorbidito i bordi duri per ospitare le masse. Uno studente di apprendimento di uno strumento si aspetta ancora il suo insegnante di concentrarsi sul tecnico, proprio come avrebbe fatto un secolo fa. L'enfasi è ancora a praticare scale, giocare in sintonia, con la diteggiatura corretta. Naturalmente, ci sono eccezioni individuali, ma questo è ancora la cultura generale

Vorrei fare una distinzione tra Musica —. Capitale di M — e la musica — piccolo m. Usando il maiuscolo, mi riferisco alle qualità superiori che fanno musica importante e vitale: la creatività, di espressione e di interpretazione, le qualità che sono l'ultima da applicare in pedagogia tradizionale. Con il piccolo m, mi riferisco ai minori, tecniche, qualità. Un bambino che occupa uno strumento fa come mezzo di espressione più alta, in altre parole, musica. Invece, il focus è sul tecnico, la musica. Non è sorprendente che tanti bambini danno i loro strumenti

Possiamo riassumere tutto questo dicendo che il punto di partenza per la musica pedagogia è “. Ottenerlo giusto &" ;: in sintonia, dita della mano destra, le note giuste. Questo ha inevitabilmente l'effetto di rendere lo studente continuamente concentrarsi su, e preoccuparsi di questo aspetto, i. e., la musica e non la musica. Si crea un clima di paura, in cui lo studente è invitato a giudicare costantemente se stesso per i suoi errori, e di assumere che gli altri — inizialmente il suo maestro, in seguito ad un pubblico —. Stanno facendo la stessa

Il risultato di questo è un'interiorità malsano da parte del musicista. Lui si sta concentrando su di sé nella sua performance, preoccuparsi di come egli è stato giudicato: “ Come sto andando &"; “? Cosa pensano di me &" ;. Questa coscienza di sé è l'inizio di tutto paura del palcoscenico ed è completamente controproducente — ognuno esegue peggio quando nervoso. Quindi ci ritroviamo con un paradosso: eccessiva enfasi sulla tecnica mina in definitiva la tecnica. L'insegnamento di strumenti musicali dovrebbe essere fatto in un modo per diminuire autocoscienza; invece essa aggrava, inferiori quindi quello che sta cercando di raggiungere.

I benefici di comunità musicale Outreach Programs per Musica studenti

Se il problema centrale dell'insegnamento strumento musicale è la coscienza di sé che genera, la sua soluzione è l'adozione di altri coscienza, per incoraggiare lo studente a mettere la sua attenzione sull'altro piuttosto che sulla sua auto. Il latino per “ auto &"; è l'ego; per “ altro &"; è alter. Sostituiamo egoismo con l'altruismo.

In questo modo lo studente è incoraggiato a dirigere la sua musica a qualcuno quando gioca. Nella sua forma più semplice, questo processo è puramente mentale, i. e., solo immaginando la persona che si sta giocando a. Ma l'esperienza è molto più potente se la persona è nella stanza con il giocatore. Si tratta di outreach dove musicale in luoghi come gli anziani &'; case è così importante, perché dà una realtà fisica al processo di dirigere con la musica.

Tuttavia, non vi è più coinvolto di questo. La situazione di sensibilizzazione è particolarmente utile per incoraggiare questo atteggiamento da parte del musicista visitare, molto più che dire dare un assolo in un concerto, che, ovviamente, è molto più probabile che aggravare uno studente &'; s timori di prestazioni piuttosto che alleviare li. Ci sono diversi motivi per cui uno sbraccio è la situazione ottimale per favorire l'altruismo musicale.

In primo luogo, gli anziani in una casa sono molto meno critico rispetto a un pubblico concerto tende ad essere. Tanti anziani in istituti come Green Briar sono sola e depressa. I visitatori e fare musica sono quindi quasi sempre i benvenuti. Inoltre, l'esperienza dimostra che la condizione fisica /mentale dei residenti si deteriora diventano più bisognose di musica, e quindi sono sempre meno critica di quello che sentono.

In secondo luogo, il raggio d'azione è comune in natura. Questo riduce la pressione del singolo studente e aiuta quindi alleviare l'ansia da prestazione, come il lavoro di gruppo è più facile che eseguire da solista. Forse ancora più importante di questo, in un vasto raggio il pubblico partecipa come performer, cantando e ballando /spostamento. Questo crea un clima di informalità confortante per lo studente. Dopo tutto, se gli anziani, che nella maggior parte dei casi hanno avuto alcuna formazione musicale, non sono consapevole circa il loro coinvolgimento con la musica, perché dovrebbe essere lo studente? In realtà, uno sbraccio non è davvero una situazione prestazione nel senso comune con una netta demarcazione tra artisti e pubblico. La maggior parte delle volte i confini sono sfocate. Al Green Briar abbiamo anche avuto situazioni in cui è invertito il pubblico /rapporto esecutore, quando un residente con entusiasmo ci condurrà in una canzone che conosce meglio di noi!

La terza differenza tra e sensibilizzazione e un concerto è che lo studente è incoraggiato a relazionarsi con il suo “ audience" come individui. In un concerto, il pubblico è anonimo per l'esecutore. Non saprà la maggior parte degli ascoltatori. Anche se lo fa, è estremamente difficile riferirsi a tutti in una volta. Ci sono troppi, e in ogni caso, il divario tra il pubblico e l'artista in un concerto normale set-up aiuta a malapena. Spesso in un teatro, a causa della forte illuminazione fase, è impossibile per l'esecutore, anche per vedere il suo pubblico, e tanto meno a relazionarsi con loro. In una situazione di sensibilizzazione come quella di Green Briar non ci sono queste difficoltà, e dove le visite sono su base regolare, gli abitanti diventano ben noto ai volontari, e viceversa. Questo, insieme con i numeri più piccoli, e informalità del setting, lo rendono facile per gli studenti di relazionarsi con i residenti. Per massimizzare questo, si consiglia di contattare stretto e diretto per quanto possibile: spostare il più vicino al residente nel fare musica come lui /lei permetterà; prendere le loro mani; . guardarli negli occhi (quest'ultimo è particolarmente importante)

Infine, sbracci sono orientati intorno canto, non intorno allo studente &'; s strumento. Questo è importante per due ragioni. In primo luogo, abbiamo trovato che i residenti tendono a smettere di cantare quando si utilizzano strumenti. Invece, cominciano a visualizzare la situazione come una performance, e una distanza formale si crea tra artisti e pubblico, che funziona contro la creazione di un clima di altruismo. In secondo luogo, il canto richiede meno sforzo da parte dello studente che giocare. Come i residenti, lo studente può di “ solo cantare &"; Quando si gioca il suo strumento d'altra parte, egli è meno spontanea come egli è costantemente preoccuparsi se ha la nota giusta, se è in sintonia, ecc

Questi quattro fattori — i residenti &'; approccio relativamente acritico, l'aspetto comunitario, in materia di “ audience" come individui, e basando il raggio d'azione intorno cantando —. creare un ambiente unico dove lo studente è incoraggiato a usare la sua musica altruisticamente

Tradurre Outreach Filosofia in Strumentale Giocando

Assistere sbracci musicali regolari è, tuttavia , soltanto una prima fase, per l'obiettivo finale è quello di tradurre l'esperienza altruistica di sensibilizzazione nel studente &'; s gioco strumentale. Questo accade in misura per osmosi. Come lo studente diventa più altruisticamente inclinato con le outreaches, gli effetti benefici saranno generalizzato a tutto il suo fare musica. In definitiva l'obiettivo è quello di vedere tutte le prestazioni, anzi tutto fare musica, come uno sbraccio.

Questo processo può essere catalizzata attraverso la progressiva introduzione di gioco strumentale presso il raggio d'azione. Io do un esempio dalla mia recente esperienza. Un sedicenne studente tromba è estremamente dotato, ma timido e consapevole del suo fare musica sul suo strumento. Cominciò a venire regolarmente a sbracci musicali, tra verde Briar, con suo padre, che è egli stesso altamente musicale e incoraggiante di suo figlio adottare un approccio altruistico con il suo fare musica. In un primo momento il figlio era riluttante a fare altro che cantare. Come la sua identità musicale rafforzato attraverso le outreaches, tuttavia, è diventato via via più sicuro di sé, anche se era ancora disposto a giocare. C'era anche un in-tra fase in cui avrebbe portato la sua tromba per il raggio d'azione, ma non giocare! Alla fine lui ha cominciato a giocare, per la gioia dei residenti. Recentemente, ha iniziato anche a giocare assoli in concerti. Quando gioca, lo fa con notevole fiducia, senza alcuna traccia di paura del palcoscenico. Di conseguenza il suo gioco è estremamente creativo ed espressivo. In altre parole, il processo di outreach lo ha incoraggiato a fare musica piuttosto che la musica, e da questo punto di vista, lui è eccezionale

Quando l'atteggiamento altruistico sviluppata attraverso divulgazione musicale è integrato nella studente &';. S gioco , quali sono gli effetti? Ci sono diversi.
1. Ridurre autocritica nello studente rende naturalmente l'intero processo di apprendimento della musica molto più divertente e soddisfacente.
2. Sbracci mostrano lo studente che il suo fare musica può avere un effetto positivo su un pubblico. Questo dà la sua riproduzione di un significato in più insieme che normalmente non il risultato di pedagogia regolare.
3. Gli studenti che frequentano sbracci su base regolare tendono a sviluppare ottime capacità uditive causa della enfasi sul canto. Questo può essere rinforzato da ottenere per loro a suonare le canzoni che cantano alla sensibilizzazione sui loro strumenti senza l'utilizzo di musica scritta.
4. L'atteggiamento altruistico migliora tecnica. Questo è il lato opposto del paradosso discusso in precedenza che la tecnica criteri di priorità per la musica di insegnamento-mina in definitiva tecnica favorendo una mentalità autocritica. Al contrario, quando lo studente smette di pensare autocritica, è in grado di dare il meglio in tutti i sensi, compreso il tecnico.
5. In senso più generale, l'adozione generalizzata di un atteggiamento altruistico è un obiettivo più auspicabile per l'educazione e lo sviluppo sociale del giovane

Conclusione

Il processo esplorato in questo documento —. Frequentare sbracci regolari musicali e di applicare l'esperienza per la riproduzione dello studente &'; s strumento — è ben descritto nel seguente testimonianza di un quindicenne, studente di clarinetto al Ravensong Studio che ha partecipato ad una serie di sbracci musica di Green Briar:

Quando sono arrivato [alla sensibilizzazione] per la prima volta, ho capito quanto spaventato ero. Entrammo in una stanza piccola e soleggiata con un serbatoio di pesce, un rack di riviste, e una vista di una sala da pranzo che era troppo gialla. C'era un cerchio di vecchie signore e alcuni vecchi uomini in sedie. . . Ho cantato dolcemente in un angolo, la sensazione come se fossi stato gettato senza preavviso in acqua fredda. Duro come sembrava, al momento, ha funzionato. Ho perso la mia timidezza lentamente quando mi resi conto che queste persone non erano qui per giudicare noi. Una volta ho dimenticato di preoccuparsi di essere nel giusto, mi sono mille volte più espressivo. Ho pensato che se avessi potuto applicare questa ritrovata libertà a mio modo di suonare il clarinetto non-così-squallido, quanto meglio sarei. Così ho cominciato lentamente a cambiare. Ho preso più rischi e ha cercato di concentrarsi sul significato della canzone, le emozioni che aveva lo scopo di rappresentare, piuttosto che note solo sulla pagina. Avevo cominciato a cogliere lo scopo della musica. Era improvvisamente molto più facile e molto più divertente. . .I Hanno migliorato come musicista e sono diventati una persona più sensibile.

Questa affermazione solleva una questione importante che è che sbracci possono in un primo momento essere un'esperienza intimidatorio per molti studenti. Per prima cosa, coloro che imparano strumenti spesso non sono felice di cantare. Ci sono varie ragioni per questo, ma, in fondo, se uno studente è consapevole del suo modo di suonare, è probabile che sia circa il suo canto anche. Ragione di più per andare sul outreach! L'esperienza di molti studenti è come quella dello studente nel testimonial: timidezza, anche la paura, in un primo momento, ma guadagnando a poco a poco di fiducia come il clima del outreach diventa più familiare. Un altro motivo per studenti essere intimiditi sulla sensibilizzazione è che la condizione deteriorata di alcuni dei residenti in una casa può essere paura a prima, anche se, come gli studenti cominciano a relazionarsi intimamente con i residenti, questa situazione migliora. Noi facciamo trovare studenti che si rifiutano di andare a vasto raggio per questi motivi, ma la maggior parte sono in ultima analisi, suscettibili. Questo è particolarmente vero per i bambini più piccoli che si trovano in tutti i sensi meno consapevole di quelli nei loro anni.

Note

1. Febbraio 1918, p. 93.

2. Joyce Cameron, “ Il ruolo di autostima in Learning, &"; in Atti del Convegno Nazionale di Piano 1990-1991 Pedagogia (Los Angeles: Conferenza Nazionale di Piano Pedagogia, 1991), 88.

3. Alcuni lavori recenti, ad esempio, ha sottolineato il carattere generalmente terapeutico di altruismo; Vedi Richard L. Curwin, “ Il potere curativo di altruismo, &"; Istruzione Leadership, novembre 1993, 36-39; anche John Diamond, MD, la venerazione della vita: attraverso il Disease all'Anima (Bloomingdale, IL: Miglioramento Books, 2000), 4; Quest'ultimo autore ha anche ampiamente discusso l'uso di altruismo nella musica ; Vedere Vita Enhancement attraverso la Musica. (Bloomingdale, IL: Miglioramento Libri, in corso di stampa), passim

4. Non datato testimonial di Margeret McGovern in possesso dell'autore Hotel  .;